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艺术圈最打脸的话是 “你画的太好了 跟照片似的”

发布时间: 2018-04-23    作者:中国书画家网   来源:中国书画家网

 刚刚参加完全国两会的中国油画院院长杨飞云先生在百忙中抽出时间接受问的独家专访,关于他喜欢的模特类型,关于艺术和生活的融通,关于艺术圈最打脸的话,关于最热聊的艺术创新,各种干货扑面而来,希望您读完内容,心里能够亮光光。

杨飞云作品《簪花仕女图》 180×120布面油画2012

  更喜欢画有东方味道的模特

  问:我们了解到,杨院长是刚开完会回到油画院,在忙碌的日常工作和静心艺术创作的时间协调上,您如何权衡?

  杨飞云:刨除必须参加的会议和其他外出交流学习的事务,我一般就是在工作室办公或者画画,相对不重要的常态性事务放到休息日,比如晚上或者周末开会。只要能抓到空余时间,我就画画。画油画需要自然光线,我从不在灯光下画画,因为灯光下的颜色是看不准的。合理运用各个时间点。

  问:什么样的模特类型是您愿意动笔去画的?

  杨飞云:审美上能激发画意,有东方味道和特点。我的个人审美,和我从小的生活环境密切联系,我从小在内蒙古农村长大,对中原文化有特别深厚的感情。我的性格比较含蓄,在相对安静的情况下能体会的更加深入。另外近十几年,我也画了很多北方老人,我画的不是他们的苦涩,我想强调的是人的尊严。农村是中华文化价值观保存最完整的地方,很多老人未必识字,但他们奉行的理念,做人的原则就是孔子儒家的、老子道家的或佛家最基本的理念。我的画看起来非常写实,而我的愿望并不是要表现真实本身,我是通过真实表达体验上浓厚的审美和理想色彩。通过画作传达人物背后的精神和他带给我的感动。所以选模特是一种感觉,模特的脸上会带着画意。而作品里又透着艺术家的个人理想和审美价值。

杨飞云 《做得要正 看得要远》2008 116x81

  艺术圈最打脸的话是“你画的太好了 跟照片似的”

  问:您画人物时会采用拍照辅助创作的方法吗?

  杨飞云:不会,我一拍照就不会画画了。看西方的绘画,如果一个搞写实的画家把照片和古典绘画的审美区分不开的话,他不可能有成就。文艺复兴以来的所有古典绘画,没有一张是照片能取代的。照片是机器所为,即使是人有设计,它也是形象的东西。绘画要把这个形象一笔一笔的,通过情感审美、思想或者是控制力表达出来,它对色彩、形状、神态、整体构成都有极为严格的要求。而拍来的照片则大不同,它所记录的是一瞬间的图像,不管你拍的多高清,多漂亮,它的颜色是假的,人感觉到的大自然颜色跟相机捕捉到的瞬间大不同。我看很多人其实很可惜,被照片捆住了,尤其是一些年轻人,没学会画画,照着图片很容易地画了一些,画久了以后,他的绘画已经和艺术偏离太多。

杨飞云接受问独家采访

  问:所以对在油画院学习的同学,您是禁止采用照片辅助这个形式的吗?

  杨飞云:照片是可以参考的,比如说有一些场面和动作是没办法记录下来的,照片可以提供辅助性参考。但是拿一张照片画成一张画,我们一眼就能识别出来。即使你画的笔触很大,也是图片的透视和动态。现代社会中国人对绘画的认识,非常局限,如果说有人夸一个画家说,你画的太好了,跟照片似的,这种话一说,比骂这个画家还要厉害。现在的手机一分钟可以拍很多张照片,一个画家付出了半天的劳动,你画的跟照片一样,你比相机还可怜。所以这对我们画画的来说是致命的东西,决不能跟着图像跑。

  西方的绘画在这个事情上大概19世纪就非常清楚,高尔基说过一句话,“一个艺术家从生活里面提炼观察,然后寻找、把握、提炼出一种典型动作、典型形象、典型环境,他创作出来的艺术和一个照相机百分之一秒、千分之一秒拍出来的瞬间是无法同日而语的。”所以摄影没有问题,这是一个辅助工具。

  问:那您怎么看待如今盛行的“读图时代”?

  杨飞云:读图时代,我们知道现在图像是最廉价的,任何一个人都可以拿起手机来随手拍,可以泛滥到把整个世界充满。但是图片恰恰又有非常高级的审美,比如说世界级的摄影大师。读图时代好像容易把这两个给混淆。我觉得论图像的信息内涵丰富性和品位的高级性,绘画在人类视觉图像上永远是老大。要不然博物馆就没用了,我们还画画干吗。

杨飞云工作室

  在巨人的肩膀上往高处走才是创新

  问:我们刚聊了很多油画,应该距今有将近六百年的历史。这几百年的历史,在保持油画创新、赋予新的生命力这一方面,您有什么见解吗?

  杨飞云:科学的创新,爱因斯坦要在牛顿的基础上创新,霍金要在爱因斯坦的基础上创新,文艺复兴的创新是在古希腊罗马的基础上,所有的创新都是要在前人的高度上进行。艺术上的创新当然也一样,不是您自己脑子一热鼓捣鼓捣新玩意儿就是创新了,新要有水平。在中国讲究一流二流三流末流,我们知道齐白石和和梵高或者和毕加索画得非常不一样,完全不同的文化。他们都在同一个时代,他们同属一流。有水平才是新,离开水平的新那叫胡闹。在巨人的肩膀上,或者在前人的水平上、发现的台阶上,再往高处走才是创新。还有一个新,有的人弄点新材料就叫新,那只不过是材料上的新。但是艺术并不是弄点新材料就行了。比如说油画,文艺复兴发现了透视解剖,用在绘画里面。其实那并不是创新,宇宙当中就有解剖结构,人以前不重视这个,等到把这个规律掌握了以后,文艺复兴人们的素描一下子就提高了。到了19世纪,印象派出现是色彩上的发现,其实就是科学原理用在绘画里面。然后所有的人画色彩,就和印象派之前的人画色彩,观念认识上不一样了。这个叫人类使用科学的创新。

  还有一种形式,是真正艺术上的新。比如:齐白石每天画的画和他前一张不一样,不能重复,别人也不能重复他,也重复不了他。这个就叫新,这才是艺术上的新。

杨飞云《宋庆龄》240×135布面油画2008-2009

  经典永不过时:以大师为师 以经典为师

  问:那您日常教学当中会跟学生重点强调的是哪些呢?

  杨飞云:第一,画画要顺着你的天性。米开朗基罗是力量型,拉斐尔是优雅型。如果不顺应天性,一种力量型的画让拉斐尔去画,画出来也没水平,他也不喜欢。第二要理解绘画的原理。无论东方西方,凡是好画家原理都掌握的很好。就像苏东坡说的“出新意于法度之中,寄妙理于豪放之外”。你可以出新,但是要有个法度。用中国的话去评判一张油画是行得通的,只是不一样的品种。这就是学原理。达芬奇去解剖、研究透视,他们都做了很深的功课,当他知道了这个原理以后,后面画画使用这个原理的时候就非常有表现力。第三,以大师为师,以经典为师。不管多古老,是希腊的也好,是文艺复兴的也好,它没有过时这一说,它是人类的高度。第四就是以自然为师。古人说行万里路就是在大自然里面观察体验。破万卷书也很重要,向古今中外的大师学习。还有眼中之竹,要变成心中之竹,最后要上升到手中之竹。这是个提炼转化的过程。不看经典、不懂经典,说创新基本不够层次。试想我们待在北京的宋庄,一天到晚想成为美国纽约的前卫艺术家,这怎么可能呢?思维和环境原理都跟不上就想着弄出一个奇迹,那就是传说中的天方夜谭。

  问:油画院在教学上会着重聚焦学生哪方面素养的培养?

  杨飞云:油画院的学生,一年有两次下乡,大量的去画写生,研究。鼓励画的好的学生出国去看大师经典作品。国内有展览,我马上通知大家去看。看完回来会有一些交流座谈。

杨飞云作品《圣洁的爱》130×97布面油画2006

  绘画和生活脱节是因为人们把它越弄越学术

  问:作为媒体,问也非常希望用媒体的力量把艺术跟生活融通结合,不知道老师在艺术和生活融通这个问题上有什么好的建议?

  杨飞云:我们这个社会慢慢的把艺术和生活和人脱节开来了。如今很多高层次的人一站在画家面前先来一句,?“哎我不懂画,我是外行”,要不然就问你这个画到底怎么看。其实看画就像看电影或听音乐,你让一个理论家讲这个音乐表达了什么,我觉得会被误导。绘画和生活脱节就是因为人们把这个东西越弄越学术了。卢浮宫一天接待多少人?那里专业的很少,进去看的人多,人们就是进去体会。有些人就慢慢的上瘾,慢慢看懂、最后就看进去了。我们接触这个世界最大的领悟其实就是观看。我们一睁眼看到的这个世界给我们的所有信息和感觉,是我们判断、理解、认识或者是表达的一切的源头。所以对于普通的人、未必是从事艺术行业的人来说,就是要多观察、多看。现在生活的艺术应该说在审美上、视觉上几乎是无处不在。关键点就是要对美有追求。美不是个性的,这个世界万物个性太丰富了,丰富到我们接纳不过来,再创造一些不一样有什么用?你把能做到的那个美做到,那便是独一无二。